02/10/2022

Influência Religiosa na Arte Coreana

Qual foi a importância da pintura de paisagem na arte e cultura tradicional coreana? Como a pintura de paisagem se desenvolveu na Coréia? Quais são as características distintivas da pintura de paisagem coreana?

Na Coréia, a pintura de paisagem – em vez de pinturas de figuras ou pinturas históricas como no mundo ocidental – tornou-se a forma mais proeminente em parte porque a própria natureza era considerada sagrada. A natureza era vista como uma entidade viva. Simbolizava parte integrante da vida humana e um ser espiritual superior. Essa concepção de natureza também foi compartilhada pela China e pelo Japão, com cada cultura desenvolvendo suas próprias variações da filosofia e dos rituais relacionados. Dados os elevados ideais a ele associados, a transferência dessa natureza ou paisagem vasta e superior para uma superfície bidimensional representava um desafio para os artistas que, por sua vez, elevavam a posição da pintura de paisagem.

Outra razão pela qual a pintura de paisagem se tornou a forma de arte superior na Coréia foi o domínio do confucionismo e do neoconfucionismo, adotado na China. Essa filosofia prescreveu, entre outras coisas, o cultivo do intelecto e da humildade. Traduzido para a arte, significava que as imagens da figura humana – o corpo físico, as atividades mundanas dos seres humanos, até os episódios históricos que se concentram na atividade ou realização humana – eram secundárias. Em vez disso, a pintura de paisagem surgiu como o meio de exploração e expressão do intelecto e do mundo maior, além dos seres humanos. Somente no século XVIII, com o crescimento da pintura de gênero, a pintura figurativa se torna importante na história da arte coreana.

A pintura de paisagem não tomou forma imediatamente. As primeiras representações da paisagem na Coréia, do Período dos Três Reinos (57 aC-668 dC), aparecem como elementos rudimentares de fundo, não como um gênero independente de pintura. Nas pinturas nas paredes das tumbas do século V, por exemplo, vemos montanhas ou árvores isoladas retratadas em torno de figuras em ação, como a caça. As figuras humanas e a paisagem juntas compõem o todo.

Foi durante o período Koryo (918–1392) que a pintura de paisagem – e a pintura em geral – floresceu rapidamente como uma forma de arte por si só. Essa evolução acompanhou os desenvolvimentos na dinastia Song, na China (960 a 1279). Song e Koryo compartilhavam uma estreita relação de frequentes trocas diplomáticas e culturais. Como nas pinturas de Northern Song, a pintura monumental da paisagem – quadros que retratavam montanhas colossais e transmitiam uma sensação de admiração pela natureza – tornou-se popular em Koryo. Infelizmente, relativamente poucos exemplos de pintura de paisagem desse período sobrevivem, o que dificulta hoje a avaliação completa de seu desenvolvimento e realizações.

Ao longo dos cinco séculos do período Choson na Coréia (1392-1910), o repertório da pintura de paisagem se expandiu. Existem também muitos exemplos mais existentes. Duas escolas de pintura de paisagem foram de particular importância durante o período de Choson. Um deles foi liderado pelo artista da corte do século XV, An Kyon. Suas pinturas de paisagem adaptaram e transformaram elementos estilísticos e conceituais das antigas paisagens da Canção do Norte e aperfeiçoaram um estilo único. Ele tocou com composições inovadoras e marcantes que desafiavam as noções convencionais de espaço e tempo na pintura. Suas pinceladas distintas foram copiadas e adaptadas por seus seguidores que continuaram a tradição mesmo depois de seu tempo.

A outra grande escola ou estilo de pintura de paisagem surgiu no século XVIII, liderada pelo mestre artista Chong Son. Seu estilo de paisagem “True-View” revolucionou todo o conceito de pintura de paisagem na Coréia. Até então, a pintura de paisagem era conceitualmente abstrata: as paisagens representadas geralmente não eram um cenário real ou mesmo a reação pessoal ou emocional dos artistas à paisagem existente, mas a natureza como era concebida na mente dos artistas. As pinturas de Chong Son retratavam paisagens famosas na Coréia – tanto locais pintados anteriormente como o Kumgang Mountainan quanto outros que não eram objetos de pintura de paisagem – e o fizeram de uma maneira que apresentou a paisagem como real, nobre e pessoal simultaneamente.

Budismo e arte budista na Coréia

O budismo, tendo se originado na Índia, se espalhou por quase todo o continente asiático – e no século XX, para o resto do mundo – afetando profundamente a vida dos convertidos e dos não convertidos. As muitas maneiras diferentes pelas quais ela foi adaptada pelas várias culturas e sociedades atestam tanto a flexibilidade da religião quanto o apelo de seus princípios fundamentais. O budismo foi introduzido pela primeira vez na China pela Coréia no século IV do Período dos Três Reinos (57 aC-668 dC). Posteriormente, foi adotada como a religião oficial do estado em cada um dos três reinos – Koguryo, Paekche, Silla – e permaneceu a religião do estado através de mudanças dinásticas nos sete séculos seguintes – unificou Silla e Koryo até o século XV.

Na Coréia, o período entre os séculos quinto e oito representa um bom estudo de caso do desenvolvimento inicial e subsequente florescimento do budismo e da arte budista. Em particular, o desenvolvimento da escultura budista ilumina as mudanças na filosofia e no gosto. Os primeiros exemplos (dos séculos V e VI) de estátuas de Buda e outras divindades do panteão budista evidenciam laços iconográficos e estilísticos com seus modelos chineses: rosto alongado, características faciais duras, dobras lineares acentuadas da peça, corpo rígido e central poses. Essa adoção de modelos chineses era inevitável, dado o estágio inicial do desenvolvimento de ícones budistas / budistas na Coréia e também a natureza da estatuária religiosa, que determina a aderência aos arquétipos existentes. Nos séculos sete e oito, no entanto, A escultura budista coreana amadureceu conceitualmente e estilisticamente. O famoso “sorriso de Paekche” nas pequenas estátuas de Buda do reino de Paekche, as representações elegantes e individualistas de Budas meditativos (ou pensativos) do século VII e as esculturas tecnicamente e estilisticamente insuperáveis ​​no templo de Sokkuram, no século VIII, são algumas dos exemplos mais impressionantes da amplitude do desenvolvimento nativo da escultura budista. Sokkuram e suas esculturas, em particular, exemplificam a engenhosidade coreana e a essência do estilo coreano na arte budista. A caverna, construída como uma dedicação aos antepassados ​​de um político proeminente de meados do século oito, incorporava cálculos matemáticos complexos e gênio arquitetônico. A estátua do Buda principal e as esculturas na parede de Buda

Deve-se lembrar que a arte budista na Coréia, assim como a arte religiosa em muitas sociedades antigas, era mais do que uma exibição puramente estética. Representava também o fervor religioso e as ambições políticas da classe dominante da época. Para a elite, o budismo não era apenas uma crença religiosa, um guia prático da vida e um meio de salvação após a vida, mas também uma maneira de afirmar o poder político e de subordinar a sociedade a esse poder. Os templos e estátuas icônicas proporcionavam à elite exibições públicas visíveis de sua presença e influência política, bem como um meio de espalhar e controlar a religião e o povo. Isso não quer dizer que o budismo e a arte budista eram o único domínio da elite política. O budismo se disseminou para praticamente todos os níveis da sociedade e objetos de culto, como estátuas,

Depois de vários séculos como religião do estado, o budismo foi deslocado pelo neoconfucionismo no período de Choson (1392–1910). A segunda era uma filosofia baseada nos ensinamentos do antigo estudioso chinês Confúcio, em vez de uma religião, mas que teve ampla influência em todos os aspectos da vida pública e privada da sociedade Choson. O culto budista, assim como a produção de ícones budistas, persistiram nas províncias, longe da capital. Hoje, o budismo continua a ganhar seguidores, mas com a crescente concorrência de outras religiões, antigas e modernas, incluindo o cristianismo.

Pintura de gênero na Coréia do século XVIII

A pintura de gênero se desenvolveu em duas direções no período de Choson (1392-1910). Um deles era a representação visual da cultura e dos costumes da sociedade Choson e funcionava como imagens patrocinadas pelo Estado para serem dadas como presentes a dignitários estrangeiros (especialmente chineses Qing). O outro ramo da pintura de gênero envolvia retratos das atividades diárias das comunidades rurais e começou a se desenvolver por volta do século XVII. As pinturas do último grupo foram baseadas em observações reais e retratavam atividades mundanas como fazendeiros trabalhando nos campos, oleiros fazendo panelas e costurando mulheres.

Essa linha de pintura de gênero amadureceu e floresceu durante o século XVIII. Gigantes do mundo da arte como Kim Hong-do (1745–1806) aperfeiçoaram a pintura de gênero e elevaram sua posição dentro do cânone da arte. Os trabalhos de Kim mostram pessoas comuns, homens e mulheres, jovens e idosos, envolvidas no trabalho cotidiano ou no lazer. As figuras geralmente são colocadas em um cenário vazio ou simplificado, de modo que são as expressões faciais e movimentos físicos das figuras, juntamente com a atividade em questão – geralmente envolvendo a sala de aula, esportes ou entretenimento público ou algum tipo de trabalho manual – que se tornam o foco da imagem. As pinturas representam um momento no tempo, congelado, mas totalmente vivo com todos os sons, ações e emoções.

Outro grande artista da pintura de gênero é Shin Yun-bok (1758-1800). Ao contrário de Kim, Shin pintou cenas de estudiosos aristocratas envolvidos em atividades de lazer, como passear de barco ou ouvir apresentações musicais. Além disso, ele também é conhecido por suas fotos de cortesãs (conhecidas como kisaeng na Coréia). Muitas das pinturas de Shin envolvem um grupo de homens em um passeio com cortesãs, mulheres seminuas tomando banho ou lavando roupa no riacho ou o encontro secreto dos amantes, e são sutil ou abertamente eróticas. Tanto no assunto quanto no tom erótico, eles são claramente diferentes dos trabalhos de Kim e são bastante arriscados no contexto da sociedade Choson moralista e estrita.

Não é coincidência nem curioso que a popularização da pintura de gênero tenha paralelo à ascensão da pintura de paisagem realista e com foco nativo (paisagem True View) no final do período de Choson. Ambos os movimentos artísticos enfatizavam observações reais, cenas ou cenários reais, e focavam nas pessoas ou na paisagem da terra natal. A Choson Coréia do século XVIII havia desviado sua atenção da China, que havia caído sob a ocupação “bárbara” de Manchu, e parecia a si mesma como o novo centro cultural do leste da Ásia. Essa atitude deu aos coreanos mais liberdade para examinar e apreciar suas tradições nativas. Além disso, um novo movimento filosófico popular, chamado Sirhak ou Practical Learning, levou intelectuais e artistas a explorar aspectos práticos da vida.

Autor: Soyoung Lee.

Fonte: Asiasociety.

 


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